Dirección: Fernando León de
Aranoa. Reparto: Tim Robbins,
Benicio Del Toro, Olga Kurylenko, Melanie Thierry, Fedja Stukan y Eldar
Residovic. Título en V.O.: A Perfect
Day. Nacionalidades: España. Año:
2015. Fecha de estreno: 28-08-2015. Duración: 105 min.
Historia:
En 1995
la guerra en los Balcanes acaba de terminar. Ambos bandos han firmado un alto
el fuego y parece que los combates han terminado. No obstante los problemas son
están lejos de terminarse y los cooperantes aún tienen mucho por hacer. En un
pequeño pueblo ha arrojado un cadáver al pozo de agua. Si no es retirado en
breve el agua será contaminada.
Opinión:
El
director Fernando León de Aranoa siempre ha puesto su cámara en los más
desfavorecidos. Sus películas están llenas de personajes que tienen una vida
complicada y que luchan por salir adelante. Pero a la vez son personajes llenos
de fuerza e ilusión, que a pesar de estas dificultades siguen adelante. El
propio realizador español no se deja llevar por el dramatismo y siempre que puede
mete positivismo en la historia o algunos toques de humor. Estas señas más o
menos son las que vimos en cintas como Princesas, Barrio o Los lunes al sol,
centradas en la realidad de nuestro país.
Ahora
nos llega Un día perfecto, la nueva película de Fernando León de Aranoa, donde
recupera todas las características habituales de su cine pero en un marco
completametne novedoso. La historia que nos trae esta ambientada en los
Balcanes a mediados de los noventa, justo al final de la guerra. La película la
protagonizan un grupo de cooperantes que deben encontrar una cuerda para
extraer un cuerpo de un pozo de agua. Durante su búsqueda se irán cruzando con
todo tipo de peligros y personajes que darán una visión general de como esta la
situación en el país.
Me ha
gustado el enfoque del director a la hora de contar la historia. Los
cooperantes no solo deben hacer frente a los peligros de una zona de guerra
tales como minas, emboscadas o gente armada, si no que también deben lidiar con
farragosa burocracia. Su trabajo ya es complicado pero se hace aún más difícil
debido a la cantidad de normas y protocolos que deben seguir. Este aspecto
queda retratado especialmente en el personaje de Olga Kurilenko, que esta
encargada de evaluar la utilidad de la misión humanitaria ahora que ha
terminado la guerra. Con el paso de la cinta se va dando cuenta de lo inútiles
que son muchas de las normas más allá de los despachos.
La cinta
cuenta además con otros grandes actores como son Tim Robbins y Benicio del
Toro. Ambos son veteranos de la ONG y llevan bastantes años en la zona, conocen
a la perfección su trabajo y lo llevan acabo de una manera bastante peculiar.
En oposición tenemos al personaje de MelanieThierry, una novata que acaba de
llegar a la zona y aún esta en proceso de aprendizaje.
Un día
perfecto es una gran película que no decepciona. Da una visión diferente al
conflicto y se centra en el día a día de los cooperantes y en todas las
dificultades que deben sortear para llevar a cabo su tarea. Una buena historia
bien llevada por un gran elenco de actores. Id a verla, no os arrepentiréis.
Hacía tiempo que tenía ganas de ver Trainspotting, una de las películas británicas
más populares de los noventa y que supuso el despegue de la carrera tanto de su
director como de gran parte de su reparto de actores. Una película cargada de
ideas e imágenes contundentes que en algún momento harán que el espectador se
revuelva en la butaca.
Historia:
Edimburgo
a mediados de los noventa no ofrece muchas alternativas para los jóvenes. El
trabajo escasea y es muy complicado encontrar uno decente. Es por ello que
muchos se dedican a contemplar la vida pasar mientras se enganchan a todo tipo
de drogas.
Este más
o menos es el panorama en el que se encuentran Renton y sus amigos. Una vida
asquerosa en la que solo piensan en su próximo pico. Pero un día Renton decide
salir de todo esto, dejar atrás esta vida y comenzar una nueva en Londres.
Trabajo, casa y responsabilidades, es lo que Renton consigue con esfuerzo y tesón.
Pero pronto descubrirá que es muy complicado librarse de sus viejos compañeros
escoceses.
Equipo:
Trainspotting
fue estrenada en 1996 y se intentó que fuera una película que rompiera barreras
y ofreciera una visión cruda y directa sobre la realidad de las clases más desfavorecidas
de Escocia de finales de los ochenta y mediados de los noventa. La novela en la
que se basa era muy contundente y la idea fue trasladar este sentimiento a la
gran pantalla.
Danny Boyle
fue el director encargado de llevar a cabo este proyecto. A meidados de los
años noventa la carrera de Boyle se limitaba a unas cuantas películas
realizadas directamente para televisión y cuya repercusión fue mínima.
Trainspotting fue su gran ocasión para darse a conocer en el mundo
cinematográfico y sin duda la aprovechó. Desde entonces Boyle se ha convertido
en un director de culto y cada uno de sus trabajos ha despertado el interés de
crítica y aficionados. Entre sus películas destacar 28 días después, una
revitalización del género de zombies/infectados que nos mostró Londres como
nunca lo habíamos visto y que en parte es responsable de la fiebre por los no
muertos de los últimos años. También estrenó en 2008 Slumdog Millionaire por la
que ganó el Oscar al mejor director.
Al igual
que para Boyle Trainspotting supuso un gran empujón para la carrera de los
actores que participaron en ella. El rostro más conocido es el de Ewan McGregor
que a raíz de esta película comenzó a trabajar en Hollywood hasta convertirse
en uno de los actores más populares de principios de siglo. Su carrera esta
plagada de grandes películas como Big Fish, Black Hawk derribado pero sin duda
su papel más conocido es el del joven Obi Wan Kenobi en la precuela de Star
Wars.
Entre el
resto de actores también podemos encontrar algunos rostros conocidos. El
veterano Robert Carlyle se ha convertido en un actor habitual de los películas más
populares del Reino Unido. Además de Trainpotting también podemos encontrarle
como protagonista de Full Monty o 28 semanas después. Además también aparece en
la serie Once upon a time e interpretando al villano de 007 Muere otro día.
Trainspotting supuso el debut como actor de Kevin McKidd que después se
convertiría en el protagonista de la serie Roma o de la película Dog Solidiers,
también es conocido por su aparición en Anatomía de Grey. Durante una temporada
incluso se rumoreó que sería el actor elegido para ser Thor en las actuales
películas de Marvel.
Una
escena:
Trainspotting
tiene escenas duras y desagradables que a buen seguro se quedan marcadas en la
retina del espectador. Algunas, como la del retrete del principio, son una
guarrada en cambio otras, como la del bebe, son van directamente al estómago.
Estas
escenas y muchas otras Sin embargo voy a destacar el arranque de la película.
En esta secuencia vemos a Renton y Spud como son perseguidos por las calles de
Edimburgo. Mientras la voz en of del protagonista nos va presentando al resto
de personajes así como su particular filosofía de vida. Todo ello con el Just
for life interpretado por Iggy Pop de fondo.
Banda
sonora:
La banda
sonora fue un exitazo de ventas. Se puso a la venta en julio de 1996,poco antes del estreno norteamericano de la
cinta. No tardó mucho en alcanzar los puestos más altos de las listas de ventas
a ambos lados del Atlántico. En octubre del año siguiente se lanzó un nuevo
álbum en el que se incluyeron algunos temas que no entraron en el primer disco
así como canciones que aparecían en escenas eliminadas.
La banda
sonora de Trainspotting esta considerada como una de las mejores de la historia
del cine y es habitual verla en el top de este tipo de rankings. Motivos no le
faltan ya que podemos encontrar auténticos temazos de finales de los ochenta y
la primera mitad de los noventa. Ya os podeis imaginar lo que tengo puesto
mientras escribo.
Anecdotario:
- La
película esta basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsch y
publicada por primera vez en 1993. El propio escritor hizo un cameo en la película
interpretando al camello Mike Forrester.
- Welsch
escribió una secuela para Trainspotting que se publicó en 2002 y recibió el
título de Porno. En principio Boyle tiene pensado rodar esta historia y para
ello pretende volver a reunir al equipo original pero los años van pasando y no
se ha concretado nada.
- El
título del film hace referencia a la acción de estar observando a los trenes,
una actividad más o menos popular en el Reino Unido, y se debe a uno de los pasajes
del libro que no llegó a la película. El termino Trainspotting también puede traducirse
como buscando la vena, en clara referencia a los heroinómanos del film.
- Al
acabar la película Kevin McKidd cogió unas buenas vacaciones y literalmente
desapareció, desentendiéndose de la promoción de la cinta y del estreno. Cuando
volvió se llevó la grata sorpresa de que la cinta fue un éxito y que su carrera
como actor acababa de despegar.
- Para
promocionar el estreno se realizaron posters protagonizados por cada uno de los
personajes. Como decía antes McKidd se fue de vacaciones y no participó en la
promoción por lo que su personaje, Tommy, se quedó sin poster promocional.
- En la
versión estrenada en EE.UU. se retocaron algunas escenas ya que el fuerte
acento escocés podría ser ininteligible para el público de ese país.
- La
película se estrenó en el Reino Unido el 23 de febrero de 1996, justo el día
que la actriz Kelly McDonald, que interpreta a Diane en la película, cumplía
veinte años.
Opinión:
Con el
paso del tiempo Trainspotting ha terminado convirtiéndose en una película de
culto, de esas de las que mucha gente habla pero que luego no tanto han visto.
Desde luego motivos no le faltan, cuenta con una historia genial que engancha
desde el principio y un reparto de actores que borda cada uno de los
personajes. En definitiva que es una gran película.
El
retrato que hace de la generación británica de mediados de los noventa es muy
duro. Chavales sin trabajo y sin un rumbo fijo en su vida que engañan sus penas
con drogas. Todo ello es mostrado con toda su crudeza, sin evitar en ningún
momento los momentos más fuertes. Escocia durante esos años estaba atravesando
una profunda depresión que como siempre se cebó en las clases más bajas de la
sociedad. Han pasado casi veinte años de aquello pero no es difícil establecer
relaciones entre lo visto en la película y la actual situación en España.
Otro de
los puntos clave de Trainspotting es la filosofía de vida que lleva el protagonista
de la cinta y por extensión el resto de sus amigos. La idea de no hacer nada en
la vida, simplemente dejarse llevar. La idea va un poco más allá de lo que
podríamos pensar en un principio y viene a señalar la necesidad de no dejarse
llevar e intentar encontrar la identidad propia. Algo muy positivo pero que a
los personajes de la cinta les llevará por el camino de las drogas y la
delicuencia.
Ha sido
una película muy criticada durante años ya que se decía que fomentaba el
consumo de drogas entre los jóvenes. Desde luego los abundantes momentos en que
la voz en off del protagonista va narrando la acción o el mensaje que dejando
caer si que podría llevar a pensar que hace apología de las drogas. Pero, ¿realmente
alguien puede sentirse motivado a drogarse viendo la mugre y desgracias que
pasan todos los personajes? A mi me da que es otra de esas críticas infundadas
hechas por genta que viendo un par de escenas o leyendo una sinopsis ya han
sacado conclusiones.
El
trabajo de los actores es simplemente brillante. Todas las conversaciones y
acciones son ejecutadas con total naturalidad por todos ellos, lo que hace que
las escenas alcancen gran realismo. Esto, unido a los temas tratado que
comentaba antes, hace que la película no sea apta para todos los espectadores.
Trainspotting
me ha parecido una gran película, una historia visceral y con sentimiento que
es imposible que deje indiferente a nadie. Quizá su mayor pega sea la excesiva
contundencia de alguna de sus escenas pero creo que sin estos momentos la cinta
no habría causado el mismo impacto. Es por tanto una de esas pelis duras que
hay que ver al menos una vez en la vida.
-
Edición: Editado por Astiberri en dos ediciones diferentes. Una de 104 páginas
por 15€ y otra de 180 páginas con multitud de extras y bocetos por 20€.
Historia:
Emilio
es un señor de avanzada edad que padece alzheimer desde hace tiempo. Su familia
es incapaz de seguir haciéndose cargo de sus cuidados y deciden ingresarle en
una residencia donde será mejor atendido. Allí conocerá a muchos otros
ancianos, cada uno con su propia historia y problemas, que irá descubriendo
poco a poco.
Opinión:
Arrugas
ha sido uno de los grandes fenómenos editoriales del mundo de cómic en España
de los últimos años. La historia ha ganado muchos premios e incluso fue
adaptada hace unos años en una película de animación. Los motivos son claros,
es una historia amena, que se lee rápido pero que deja una huella en el lector. Una historia sin grandes espectacularidades ni épicas pero da que pensar
Paco
Roca recopiló muchas historias sobre ancianos enfermos de alzheimer y las fue
adaptando para su relato. A lo largo de Arrugas vamos conociendo las historias
de los ancianos que viven en la residencia. Todas estas historias, reales según
ha comentado el propio Roca, nos dan una idea general de lo que puede ser la
vejez. Todo ello narrado de una forma muy dinámica, sin recrearse en situaciones concretas. Esta agilidad hace que descubramos nuevos detalles con cada relectura.
El gran
acierto de la obra es que pone el foco en los ancianos en vez de en las
familias. Pasados los primeros compases de la historia la familia del
protagonista apenas sale. Se les nombra, así como a los familiares de los demás
residentes, pero de manera muy fugaz. La idea es mostrar como es la vida en la
residencia y como se va adaptando Emilio es esta situación.
El
protagonista de la obra como ya he comentado es Emilio, un antiguo trabajador
de un banco que ahora esta enfermo de alzheimer y va a vivir en una residencia.
Allí conoce a Miguel, otro anciano que lleva ya tiempo en la residencia y se
dedica a sacar el dinero al resto de ancianos mediante engaños. Miguel será el
encargado de mostrar a Emilio y al lector la residencia y presentar al resto de
personajes. La idea que trasmite Miguel al principio de la obra será muy
diferente a la del final. Casi me atrevería a decir que es el verdadero
protagonista de la obra.
Astiberri
ha sacado dos ediciones diferentes de Arrugas. La primera en el 2007, en tapa
dura y con un tamaño un poco más pequeño que los cómics habituales, contaba con
un par de páginas al final con un texto de Paco Roca hablando de la obra y
algunos bocetos. La edición especial cuenta con 80 páginas más llenas de textos,
dibujos y bocetos con los que saber mejor como fue la concepción del cómic. Es
cuestión de gustos ya que la historia es exactamente la misma en ambos casos.
Arrugas
es un gran comic, lleno de ternura y sentimiento. Un cómic que ayuda a que los
familiares que tenemos un enfermo de alzheimer podamos entender algo mejor la
enfermedad. A mi me ha encantado y creo que es una de una lectura muy
recomendadas para todo el mundo.
Dirección: Russell Crowe. Reparto: Olga Kurylenko,
Russell Crowe, Jai Courtney, Ryan Corr, Cem Yilmaz, Jacqueline McKenzie, Isabel
Lucas, Damon Herriman, Deniz Akdeniz y Dan Wyllie.
Título en V.O.: The Water
Diviner. Nacionalidad: Australia. Año: 2014. Fecha de estreno: 24-04-2015.
Duración: 112 min.
Historia:
En 1915
en Turquía se estaba llevando a cabo una cruenta guerra entre ese país y Australia.
En dicho conflicto murieron miles de soldados de ambos bandos entre los que se
encuetran tres hermanos australianos. Tras dar por finalizado el conflicto en
1919 soldados de ambos países comienzan a buscar a sus muertos entre los miles
de cadáveres. El padre de estos tres soldados será el único civil que
participará en la búsqueda, una experiencia que cambiará para siempre su vida.
Opinión:
El
Maestro del agua es una de las películas más destacadas de esta temporada.
Cuenta con un reparto encabezado por Russell Crowe y gira en torno a una de las
batallas más sangrientas de la Primera Guerra Mundial. Pero no es por esto por
lo que esta dando que hablar, si no por que es la primera cinta dirigida por el
actor australiano.
Desde
siempre ha habido actores que han dado el salto tras las cámaras dejándonos trabajos
interesantes. El ejemplo más claro es Clint Eastwood, un actor sobresaliente
que se ha terminado dedicando a la dirección a tiempo completo con brillantes
resultados. También tenemos el ejemplo de Mel Gibson que ha dirigido unas
cuantas películas entre las que destaca especialmente Braveheart. El último en dar
el salto tras las cámaras ha sido Russell Crowe y la verdad es que no lo ha hecho
nada mal.
Me ha
gustado mucho como la película trata la relación entre el granjero australiano
interpretado por Russell Crowe y los soldados turcos. Hace cuatro años eran enemigos
mortales pero en la actualidad están en el mismo bando. La relación, como es de
esperar, empieza mal pero según avanza el metraje van cooperando y acaban
tenido un gran respeto mutuo.
Las
escenas bélicas son bastante crudas y brutales. Nada que no se haya visto en
otras películas, pero aquí destacan más al encontrarse intercaladas entre las
escenas del presente, que en principio son más pausadas. Crowe se apoya de
estas escenas impactantes para que la trama del presenta avance y nos veamos el
por que de las acciones de su personaje.
Russell
Crowe es uno de mis actores favoritos y en esta cinta se luce. Su personaje es
lleva el peso de la historia y no hay nadie que le haga sombra en todo el
metraje. Creo que habría merecido más papel alguno de los secundario. Olga Kurylenko por ejemplo no aporta casi nada a la historia y su papel es bastante anodino y tópico. El único que se salva es el general turco, las escenas y diálogos que comparte con el protagonista son de lo mejor de la cinta.
A la
película le pongo solo dos puntos negativos. El primero es que no dicen casi
nada sobre los motivos por los que Australia participó en este conflicto. No
tenía ni idea de este hecho y la verdad es que podrían haber contado algo más
en la película, aunque esto se puede solucionar rápido al llegar a casa y
consultar por internet sobre la batalla de Galípoli y la intervención de
Australia en la Primera Guerra Mundial. El segundo punto negativo es las
habilidades casi paranormales que tiene el personaje de Russel Crowe para dar
encontrar los cuerpos de sus hijos.
El
maestro del agua es una película podría haber sido una de las grandes y pero que
finalmente se queda en una correcta historia, que no es poco. Russell Crowe se
perfila como un director más que digno, que puede ser uno de los destacados de
aquí a unos años. Merece la pena ver esta película, tanto para los fans de las
cintas bélicas, como para los del actor protagonista.
Ya estamos una vez más en el día 13 del mes y como casi siempre aquí os traigo la
peli del trece. Para esta ocasión la cinta elegida es Cowboy de medianoche, una
película cruda y triste estrenada en 1969, que cuenta con unos jovencísimos
Jon Voight y Dustin Hoffman como protagonistas.
Historia:
Joe Buck
es un joven de Texas que esta harto de su trabajo y su vida. Un día decide
dejarlo todo y coger un autobús hasta Nueva York con la esperanza de encontrar
un futuro mejor. Allí se aloja en un hotel de lujo y comienza a rondar a las
mujeres de la alta sociedad para que le paguen por su compañía. Desafortunadamente
las cosas le van muy mal, pierde todo su dinero y se ve obligado a tener
relaciones con otros hombres para poder subsistir.
En el
camino de Buck no tarda en cruzarse con Ratzo, un timador de poca monta
italiano que sobrevive en la ciudad haciendo pequeños trapicheos y robos. En un
principio intenta robar a Buck pero finalmente acaban haciéndose amigos y
colaborando mutuamente.
Con la
ayuda de Ratzo, Buck comienza a prosperar y ganar dinero con el que poder
compara medicinas a su amigo. Quien sabe si en un futuro próximo podrán reunir
el dinero suficiente para dejar atrás todas las penurias de su vida neoyorkina
y trasladarse a la costa.
Equipo:
Cowboy
de medianoche fue una película muy peliaguda por los temas tratados. Al parecer
fue complicado encontrar el equipo adecuado para llevarla a cabo. Por ello
muchos de sus participantes estaban casi al comienzo de sus carreras. Este era
el caso del director John Schlesinger que llevaba unos años trabajando en
documentales y películas menores hasta que le llegó la oportunidad de Cowboy de
medianoche. Desde ese momento trabajo de manera regular hasta su retiro a
finales de los 90. Su carrera cuenta con algunos títulos llamativos como
Maraton Man, con Dustin Hoffman de nuevo, o De repente un extraño. Películas
interesantes pero que quedan muy pero debajo de la que estamos analizando hoy.
El
cowboy que da título a la película esta interpretado por Jon Voight. Este actor
había participado solo en algunas películas y series de
televisión antes de interpretar a Joe Buck. Su trabajo no pasó desapercibido y
no ha parado de trabajar desde ese momento. Su carrera esta plagada de
películas y en los años 70 continuó teniendo muy buenos papeles como en El
campeón o El regreso, por la que finalmente ganó el Oscar. En los últimos años
lejos de retirarse sigue muy activo participando en papeles secundarios de
superproducciones de dudosa calidad como Anaconda, Pearl Harbor o La búsqueda.
También es famoso por ser el padre de Angelina Jolie, con la que estuvo unos
años sin tener relación aunque parece que últimamente se han reconciliado.
El otro
protagonista de la película es Dustin Hoffman que hace un trabajo increíble
dando vuida al enfermo Ratzo. Hoffman ya salió en esta sección por su
participación en El graduado. En aquella cinta, anterior a Cowboy de
medianoche, el tono era más ligero, casi cómico en algunos momentos. Aquí le
vemos con un registro completamente diferente, más dramático y triste. La
actuación de Hoffman en esta película es increíble y es lo que más me ha
gustado de todo el film. Un actor espectacular.
Una
escena:
La
verdad es que hay dos escenas que me han llamado especialmente la atención. Una
de ellas es en la que los protagonistas está discutiendo sobre la
homosexualidad y llegan incluso a insinuar que los vaqueros son algo gays. Ya
tratar el tema en una película de esa época me parece increíble pero atreverse
a decir algo así de todo un icono americano es algo aún mejor. La película
derrocha valentía y no tienen tapujos a la hora de meter el dedo en la herida.
Escenas como esta son la prueba.
El otro
momento con el que me quedo es con el desenlace. No voy a comentarlo para los
que no lo conozcan pero me ha parecido muy triste y descorazonador. No voy a
negar que me lo viera venir viendo el tono de la película, pero no por ello me
ha parecido que sea menos triste.
Banda
sonora:
La banda
sonora de la película fue compuesta por el veterano John Barry aunque no fue
acreditado en el montaje final. Este músico de origen inglés ha participado en
la banda sonora de más de cien películas. Sin duda su trabajo más popular es la
saga de James Bond en la que ha participado en multitud de ocasiones, incluida
007 contra el doctor no, donde compuso la mítica sintonía del agente británico.
En
Cowboy de medianoche la banda sonora pasa algo desapercibida. No obstante
cuenta con una de las canciones más conocidas del mundo del cine. Mucha gente
no ha visto la película pero conoce la canción Everybody´s talking de Harry
Nilsson que suena al principio y en alguna escena más. Una canción muy buena
que hemos oído todos en muchas ocasiones.
La
película podría haber tenido otra gran canción en su banda sonora. Bob Dylan
compuso Lay, lady, lay para esta película pero por desgracia no acabó a tiempo
y no se pudo incluir en el film.
Anecdotario:
- La
película esta basada en la novela del mismo título publicada en 1965 por James
Leo Herlihy.
- Cuando
se estrenó la gente no recibió nada bien sus momentos gays. Fue una película
muy rompedora para la época y nunca antes se había visto en el cine de manera
tan clara esta temática. Algunos espectadores se iban tras la escena de Jon
Voight en la sala de cine.
- En
EE.UU. se estrenó el 25 de mayo de 1969 pero a España no llegó hasta el 19 de
septiembre de 1975.
- Dustin
Hoffman puso pequeñas piedras en su zapato para las escenas en las que tenía
que verse la cojera de su personaje. El actor se tomó tan en serio su papel que
en una ocasión, al fingir las toses de su personaje, terminó vomitando.
- Hay
una escena en que ambos protagonistas son casi atropellados por un taxi. Según
reconoció el propio actor esa escena no estaba en el guión. El equipo no
tenía licencia para grabar en la ciudad por ello simplemente sacaron las cámars y comenzaron la grabación en la calle. Los coches y peatones que vemos no son extras y el taxi estubo a punto de atropellar a los actores.
Hoffman estaba tan metido en su papel e increpó al taxista de manera que el
director decidió dejar la escena en el montaje final.
- La
frase que le dedica Dustin Hoffman al taxista en esa escena (I´m walking here)
aparece en el número 27 de la lista de la American Film Institution sobre las
cien mejores citas del cine.
-
Durante varias escenas se ve un edificio con las letras MONY. Se trata del
edificio Mutual of New York. En el 2007 este letrero fue reemplazado por uno en
el que pone 1740, ya que este edificio es el 1740 de Broadway.
- La primera
escena de la película se rodó en la ciudad de Big Spring en Texas. El resto de
la cinta se filmó en Nueva York y la mayoría de sus localizaciones pueden ser
visitadas a día de hoy.
- Una de
los lugares que no podremos visitar si vamos a Nueva York es el hotel Claridge
en el que se hospeda el protagonista al llegar a Nueva York ya que fue demolido
poco después del estreno de la cinta, en 1971.
- Fue
nominada a siete premios Oscar de los que acabó ganando tres de ellos, en
concreto mejor director, película y guión adaptado. Sus actores principales
fueron también nominados pero finalmente no ganaron.
- Es el
único film de la historia clasificado como X y que ha ganado el Oscar a la
mejor película.
- Contó
con un presupuesto de 3´2 millones de dólares y terminó recaudando más de 44.
Opinión:
Esta es
una de esas películas de las que había oído hablar pero nunca había visto. El
caso es que consultando aquí y allí esta era una de las películas que sabía
seguro que pondría en esta sección. Me he llevado una gran sorpresa con la
película ya que no tenía ni idea de que trataba. Da gusto sentarse a ver una
cinta sin saber nada de ella e ir descubriendo la trama poco. Algo que por
desgracia a día de hoy es cada vez más complicado por culpa de la gran cantidad
de información al alcance.
No me
esperaba para nada que una cinta americana del 69 tratará la temática gay de
una manera tan abierta. En ningún momento vemos escenas explícitas pero todo
queda muy claro y los personajes no esconden en ningún momento los temas más
escabrosos. En este sentido Cowboy de medianoche es una película muy adelantada
a su época. Me ha llamado también la
atención especialmente cuando los dos protagonistas cuestionan la virilidad de
los vaqueros, poniendo de ejemplo al propio John Wayne. Es increíble como se
atreven a cuestionar algo tan puramente americano como los vaqueros en una
película de finales de los 60.
Me ha
gustado mucho también como refleja la sociedad de la época. La década de los 60
esta acabando y las cosas están cambiando poco a poco. Esto se ve reflejado en
la entrada de tecnologías como la fotografía y el vídeo en el arte o el consumo
de drogas alucinógenas. Todo esto donde mejor se aprecia es en la escena de la
fiesta.
Cowboy
de medianoche es una gran película que nadie debería dejar pasar. Han pasado
más de cuarenta años desde su estreno pero sigue tan impactante como el primer
día. El trabajo de los dos actores principales es soberbio y bien se habrían
merecido los Oscars por los que fueron nominados. Eso si es una película dura y
muy triste, no esperéis muchas risas y diversión.
Hacía
tiempo que quería ver Sons of Anachy (SOA a partir de ahora) pero por unas
cosas o por otras siempre lo dejaba para otra ocasión. No obstante cuando acabé
Breaking Bad hace un par de meses decidí empezar con SOA.
La
historia nos muestra el día a día de un club de moteros que opera en un pequeño
pueblo de California. Al menos eso es lo que parece porque en realidad se
dedican a la venta ilegal de armas. La serie gira en torno a sus actividades
delictivas pero también nos enseña como es la vida privada de sus miembros y
sus relaciones familiares. En este sentido podemos comparar SOA con Los Soprano
al no centrarse solo en la vida criminal de sus personajes. De hecho la vida
privada y familiar tiene tanto peso como las escenas de acción.
Los
trece capítulos que componen esta primera temporada sirven básicamente para
presentar a los personajes y ver el ambiente por el que se desarrollara la
historia. Esta claro que la serie fue pensada para extenderse por varias temporadas
y se toma su tiempo para que el espectador conozca a los diferentes personajes
y sus motivaciones. Esto no significa que tengamos poca acción o capítulos
aburridos, todo lo contrario. Cada capítulo tiene una trama concreta que se
resuelve y a su vez va mostrando elementos más secundarios que poco a poco van
germinando en tramas mayores en el último par de episodios.
La serie
engancha tanto por las escenas de acción como por las conspiraciones y secretos
que van guardándose los personajes. Casi todos ellos tienen algo que ocultar a
los demás y esta claro que tarde o temprano la cosa acabará estallando. El
líder de la banda, Clay hará cualquier cosa para salirse con la suya y a menudo
sus acciones serán más que cuestionables. Es solo la primera temporada pero se crean
unas expectativas muy altas para las siguientes.
Los
actores son casi todos conocidos y nos hemos cruzado con ellos en alguna otra
ocasión. El más popular sin duda es el genial Ron Perlman que da vida a Clay el
jefe de la banda. Me encanta este actor que creo es uno de los intérpretes más
olvidados del cine. Tiene un montón de registros y se adapta a cualquier papel
como ha demostrado a lo largo de su carrera. También tenemos a Kate Sagal, la
eterna madre de Matrimonio con hijos o la voz de Leela en Futurama, aquí vuelve
a hacer de madre pero completamente diferente a lo visto en sus otras
interpretaciones. El resto de actores también son bastante conocidos o se han
consagrado con su participación en SOA.
Había
leído muy buenas críticas de SOA y algunos amigos ya me habían recomendado esta
serie hace tiempo. La verdad es que no me ha decepcionado en absoluto y me ha
gustado mucho esta primera temporada. Tiene un poco de todo y va planteando
diferentes tramas por las que se moverán las siguientes temporadas.
El pasado 27 de enero se cumplieron 70 años del cierre definitivo del campo de
concentración de Austwitz por parte de los soldados soviéticos. Se ha escrito y
hablado mucho sobre Austwitz o el Holocausto judío a lo largo de estos años,
uno de los sucesos más negros de la historia de la humanidad. Por todo ello la
película que he elegido este mes para la peli del trece es La lista de
Schindler, que tenía pendiente ver desde hace años y que hace unos días por fin
me senté a verla. La cinta muestra la barbarie y el sinsentido del Holocausto
pero también como puede haber bondad y buenas acciones incluso en un momento tan terrible como ese.
Historia:
En septiembre de 1039 el ejército alemán invadió Polonia y comenzó la Segunda Guerra Mundial.
Hitler empezó con su campaña para acabar con los judíos y los ciudadanos
polacos de esta religión empezaron a ser privados de sus libertadas hasta que finalmente
fueron recluidos en los campos de exterminió.
Esta
situación hacía que la mano de obra judía fuera muy beneficiosa para los
empresarios de origen alemán, apenas tenían que pagarles un sueldo y podían
trabajar durante horas sin descanso. Oskar Schindler era un miembro del partido
nazi que vio estas posibilidades y no perdió ocasión de hacer negocio. Montó
una fábrica en la localidad de Cracovia y usó sus contactos para obtener favores
de los altos cargos alemanes para que su negocio prosperase a costa de los
trabajadores judíos.
Con el
paso del tiempo la opinión de Schindler comienza a cambiar y trata de que las
condiciones laborales y de vida de sus trabajadores judíos sean lo mejores
posibles. Gran parte de la culpa de este cambio se debe al trato que el alemán
tiene con Itzhak Stern un contable judío encargado de llevar las cuentas de la empresa.
Poco a poco entre ellos se irá fraguando la amistad y el respeto mutuo.
Equipo:
La lista
de Schindler tenía una historia con todos los elementos necesarios para
triunfar y llegar al corazón de los espectadores. Pero para ello también necesitaba
de actores capaces de interpretar papeles complicados y llenos de matices. Era
una tarea difícil pero finalmente se consiguió.
Liam
Neeson lleva actuando desde finales de los 70 pero no fue hasta 1993 que se
convirtió en uno de los rostros más conocidos del cine actual. La razón no fue
otra que su grandísima actuación en la película que estamos tratando hoy. La
lista de Schindler tuvo una gran acogida por parte de crítica y público y fue
el trampolín definitivo al estrellato para Neeson. Desde entonces su carrera no
ha parado de encadenar grandes estrenos.
Durante
los últimos años Neeson se ha especializado en dos tipos de personajes. Los mentores
y maestros que guían al protagonista y los personajes de acción. De los
primeros podemos citar sus apariciones en La amenaza fantasma donde encarno al
maestro jedi Qui-Gon o Batman Begins donde entrenó Bruce Wayne para convertirse
en el héroe de Gotham. . De sus películas de acción destacar la saga Venganza o
El equipo A. Nunca me habría imaginado a Neesom como un héroe de acción pero
sin duda desde hace unos años esta haciendo grandes papeles en este género.
El papel
del sanguinario Göth fue para Ralph Fiennes. A día de hoy este actor británico
tiene una carrera consagrada en Hollywood y ha participado en multitud de
películas pero en 1993 era un novato con apenas experiencia. Esta falta de
experiencia era suplida por el gran talento que demostró como se pudo ver en la
pantalla.
A lo
largo de los años Fiennes se ha ido especializando en interpretar a villanos.
Podemos encontrarle en este rol en películas como Dragón Rojo o la saga de
Harry Potter. En todos ellos encarna al villano de la película pero nunca ha llegado
a los niveles de crueldad y sadismo del personaje de La lista de Schindler por
el que fue nominado al Oscar aunque finalmente no lo ganó.
Por
cierto años después Liam Neeson y Ralph Fiennes han vuelto a cruzarse en el
remake de Furia de titanes y su secuela. Neeson era Zeus mientras que Fiennes
era, como no, el villano Hades. Siento reconocer que estas películas las vi en
cine y no recuerdo nada de ellas.
El trío
de protagonistas o cierra el veterano Ben Kingsley que interpretaba a Stern, el
contable de Schindler. Este actor también británico lleva trabajando desde los
años sesenta en el mundo del cine y su carrera esta plagada de éxitos. Su papel
más importante fue el de Gandhi en la película homónima del 82 por el que ganó
el Oscar. A pesar de su edad, más de 70 años, sigue trabajando y en los últimos
años le hemos visto en grandes producciones como Iron Man 3, Noche en el museo
o Prince of Persia. Películas de entretenimiento en la que sigue mostrando su
buen hacer delante de las cámaras.
Dejo
para el final a Steven Spielberg, director de la película y cuya carrera ya he
tratado en varias ocasiones en esta sección del blog. Spielberg tenía en mente
La lista de Schindler varios años antes de la filmación. Leyó multitud de
artículos y se entrevistó con los supervivientes antes de comenzar la
producción para asegurarse de que todo fuera lo más real posible. La Segunda
Guerra Mundial seguramente sea el tema que más ha tratado en su filmografía desde
puntos de vista muy diferentes. En La lista de Schindler se interesó por el
Holocausto, en Salvar al soldado Ryan los
protagonistas fueron los soldados y en Indiana Jones nos mostró una imagen completamente
diferente de los nazis.
Banda
sonora:
Com
suele ser habitual en la filmografía de Steven Spielberg la banda sonora corre
a cargo de John Williams. Esta leyenda viva del mundo de la música ha compuesto
algunas de las sintonías más famosas del cine como por ejemplo las de Tiburón, Parque
Jurásico o Indiana Jones, todas ellas junto a Spielberg. Entre sus trabajos
encontramos también melodías tan conocidas como Star wars o Superman.
Sin
lugar a dudas John Williams es el compositor más importante del cine y su
nombre será siempre recordado por su gran calidad e importancia. A lo largo de
su carrera ha sido nominmado en multitud de ocasiones a los Oscars y ha ganado
varias estatuillas. Su trabajo en La lista de Schindler le proporcionó la
última de ellas en el año 1994, por la que además ganó un Grammy y un Globo de
oro. Posiblemente sea su obra más premiada y motivos no faltan desde luego.
Una
escena:
Suele
costarme decidirme por una sola escena en las películas pero esta vez en
concreto creo que es la más complicada de todas. Hay muchos momento para el
recuerdo en la lista de Schindler ya sea por su crudeza como por su emotividad.
Así que me voy a quedar con dos escenas completamente opuestas. La primera es
cuando los nazis desalojan el gueto y sacan a todos los judíos de sus casas
para meterlos en los trenes que les llevaran al campo de concentración. La
segunda escena que rescato es en la que Schindler y Stern redactan la lista de judíos
que van a ser salvados.
Si en la
primera escena vemos uno de los momentos más crueles del film en esta segunda
tenemos todo lo contrario, tenemos esperanza e ilusión de que las cosas irán a
mejor. Como el propio Stern señala esa lista es el bien más absoluto.
No
obstante ya os digo que se podrían destacar muchísimas otras escenas como la
del cumpleaños con el beso a la muchacha judía, los disparos de Göth desde el balcón
o la llegada de las mujeres a Auschwitz. La verdad es que la película es un
carrusel de emociones y de momentazos para el recuerdo.
Auschwitz en la realidad:
Durante
la parte final de la película un grupo de los judíos de Schindler son enviados
a Auschwitz por un error en los formularios. Afortunadamente para ellos
Schindler consigue llegar a tiempo de salvarlos. Estas personas pueden
considerarse afortunadas ya que por desgracia muy poca gente pudo salir de este
siniestro campo de concentración con vida.
El campo
de concentración de Auschwitz se ha convertido en uno de los signos del
Holocausto y motivos no le faltan. Desde su apertura en 1940 hasta su cierre
definitivo por parte del ejército soviético en 1945 por allí pasaron
aproximadamente 1´3 millones de prisioneros de los que murieron 1´1, la mayoría
de ellos judíos. Cifras imposibles de entender que se escapan a la razón.
Auschwitz
a día de hoy puede visitarse y cada año recibe cientos de turistas. Algunas de
las personas que lo han visitado aseguran que flota un cierto halo de muerte.
Se han destrudio algunas de los edificios pero la estructura básica y sigue en
pie. Creo que es un sitio terrible pero que debe mantenerse en pie para que las
nuevas generaciones conozcan la historia y no vuelva a ocurrir.
Anecdotario:
- La
película toma como base la novela El arca de Schindler escrita por Thomas
Keneally. Según comentaron algunos de los propios judíos que Schindler salvo de
la muerte es la cinta es muy fiel a lo ocurrido realmente.
- Hace
unos años se encontró en la biblioteca de Sidney la que parece ser la auténtica
lista de Schindler. Son un total de 13 páginas que cuentan con los nombres de más
de 800 judíos y fueron halladas junto a otros textos usados por Keneally cuando
estaba documentándose para la redacción del libro.
- Para
el papel protagonista Spielberg pensó en Tom Hanks o Kevin Costner pero
finalmente se decidió por Liam Neeson por la pasión que mostró durante la
prueba.
- En la
escena final vemos a un grupo de personas supervivientes del Holocausto que van
dejando piedras en la tumba de Oskar Shindler como señal de respeto. La última
de ellas, de la que no vemos nada más que su sombra y que deja una flor roja,
es el propio Liam Neeson.
- Actualmente
la casa de Amon Göth, desde cuyo balcón disparaba todas las mañanas a los
prisioneros tal y como vemos en la película, esta a la venta desde hace años
pero nadie se ha interesado por ella.
- Me ha
llamado mucho la atención que a pesar de ser una cinta donde la mayoría de
personajes son nazis apenas hay menciones a Hitler. Quitando alguna vez en los
saludos no se pronuncia ni se hace referencia a Hitler.
- En la
película aparece una niña vestida con un abrigo rojo y es la única nota de
color aparte de la última escena. Spielberg seleccionó personalmente a esta niña
polaca de tres años y al acabar el rodaje la aconsejó no ver la película hasta
que no cumpliera los 18 años. Los consejos del director no fueron seguidos y la
niña vio la película con a la edad de 11 años lo que la dejó profundamente
impactada y traumatizada.
Opinión:
Esta es
una de esas películas que tenía pendientes de ver pero que nunca encontraba tiempo
para ella. Una pena por que me estaba perdiendo una gran película. Spielberg da
una lección magistral de cine, de cómo manejar el tempo de la historia y las emociones
de los espectadores. Lo mismo se podría decir de los actores que hacen unas
interpretaciones sobresalientes.
El tema
del Holocausto ha sido tratado en mil películas y documentales pero nunca como
en La lista de Schindler. Me ha gustado mucho como la película va mostrando
escenas duras y crueles con otras mucho más amables. Al final podemos ver como
el hombre es capaz de las acciones más despreciables pero también de la bondad
más absoluta. Creo que este es el gran acierto de la película y por lo que realmente
llega a los espectadores.
La lista
de Schindler seguramente sea la película más famosa dedicada al Holocausto.
Motivos no le faltan ya sea por el nombre de los implicados en su realización
como por la fuerza de sus escenas o la propia historia. Todos estos elementos
dan lugar a una de las mejores películas que se han hecho nunca y que no dejará
indiferente a nadie. Eso si debido a la crueldad de algunos de sus momentos no
es apta para todos los públicos. Si eres consciente de ello no te la pierdas.
